Fundación Sin Fines de Lucro
Declarada de interés especial por la Legislatura del Gobierno de la Ciudad

	Exhibición n° 6360 - 6361       			                             Martes 25 de mayo de 2004
Temporada n° 51                                                                                   Cine GAUMONT

MADAME SATA (Ídem., Brasil / Francia-2002) dirección: KARIM AINOUZ. Libreto: Karim Ainouz, Marcelo Gomes, Sérgio Machado. Fotografía: Walter Carvalho. Música: Sacha Amback, Marcos Suzano. Diseño del film: Marcos Pedroso. Montaje: Isabela Monteiro de Castro. Asistente dirección: Daniela Braga. Sonido: Aloisio Compasso. Mezcla sonido: Dominique Hennequin. Edición sonido: Waldir Xavier. Reparto: Luiz Enrique Nogueira. Vestuario: Rita Murtinho. Maquillaje: Sonia Penna. Elenco: Lázaro Ramos (Joao Francisco dos Santos, alias Madame Sata), Marcelia Cartazo (Laurita), Flavio Bauraqui (Tabu), Felipe Marques (Renatinho), Emiliano Queiroz (Amador), Renata Sorrah (Vitoria dos Anjos), Giovanna Barbosa (Firmina), Ricardo Blat (José), Guilherme Piva (Alvaro), Marcelo Valle (comisionado), Floriano Peixoto (Gregorio), Gero Camilo (Agapito), Glaucio Gomes, Ora Figueiredo, Sacha Amback, George Becerra, Marcos Roberto Correia, Eduardo Coutinho, Anderson Lugao, Mauro Marques, Edson Menezes, Lincoln Oliveira, Lux Ubiratan Rodríiuez, Luis Ronaldo, Susana Sánchez, Karine Teles, Valente. Productores: Marc Beauchamp, Isabel Diegues, Vincent Maraval, Mauricio Andrade Ramos, Donald Ranvaud, Walter Salles. Productores asociados: Dominique Welinski, Laurent Bocahut, Philip Brooks. Delegado de producción: Marcello Maia. Productoras: Dominant 7 – Lumière – Wild Bunch / VideoFilmes. Duración original:105’.
Este film se exhibe por gentileza de Artkino.

El film según el realizador
-¿Por qué elegiste al personaje de Madame Sata como tema de tu primera película?
-Lo que mas me interesaba del personaje era quizás el tema de la exclusión. A lo largo de su vida, Joao Francisco fue un paria por un gran número de razones, reaccionó a esa exclusión de maneras muy diferentes - con rabia, creatividad, violencia y dulzura. Joao Francisco fue un luchador, siempre haciéndose valer, no desanimándose nunca. Su postura de resistencia, en un país donde la exclusión de la sociedad es una regla mas que una excepción, fue lo que mas me atrajo.
-¿Cómo descubriste a Joao Francisco, Madame Sata?
-Durante mucho tiempo Madame Sata era solo el nombre de un nightclub de Sao Paulo. Yo solía ir en los años 80 y a principios de los 90. Encontré, leyendo una pequeña biografía escrita por el periodista brasileño Rogerio Durst, uno de los libros de la colección Encanto Radical, quien era Madame Sata. Estaba fascinado y quería saber mas de él. Pensé que sería un buen personaje para una película, una mezcla de Josephine Baker, Jean Genet y un Robin Hood tropical. En 1994, recibí un premio del fondo Hubert Bals en Holanda para desarrollar el guión y empecé la búsqueda. Busqué en los Archivos Nacionales, en fuentes legales, entrevisté a gente de Lapa y de la cárcel de Ilha Grande que le conocían. También fui a la ciudad donde nació en las tierras de Pernambuco y al cementerio donde se dice que enterraron a su madre. La música popular brasileña de los años 20 y 30 fue también una fuente importante para entender aquella época - parece que Noel Rosa compuso la canción Mulato Bamba para él. Después de una extensa búsqueda, me di cuenta que Joao Francisco era un mitómano y el mito sobre él se creó por su propia invención y reinvención.
-Madame Sata tuvo una vida muy problemática, de sus 76 años 27 los pasó en la cárcel. ¿Por qué elegiste centrarte en su vida en los años 30?
-Porque en esa época dos de los ritos del pasaje ocurrieron: se convirtió en una estrella reconocida, consiguiendo su sueño de ser adorado en el escenario, y poco después cometió un delito serio y se convirtió en un criminal. Y estos dos hechos culminan con la creación de Madame Sata, un nombre que resume la dualidad del personaje, Madame - femenina, sofisticada, delicada, importada de Francia, y Sata - masculino, violento, destructivo. No me interesaba contar como nació el mito, ni explicarlo. Quería retratar al personaje antes de la creación del mito. Quería compartir su intimidad.
-Pobre, negro, homosexual. ¿Cómo tratas a este personaje pisoteado por tres estigmas?
-Estigmatizándole a él. En su vida cotidiana Joao Francisco aniquiló esas definiciones empezando con el tema de la homosexualidad. Esto nunca fue un problema para él, por tanto no se podía mostrar como un conflicto para el personaje en el sentido narrativo. Era simplemente un poco de información sobre él. Lo que más me interesaba era tratar las razones que le llevaron a retar cualquier intento de aislar, segmentar o atomizar su identidad. Sería una pena si el personaje fuera percibido a través de segmentos sociales porque sería todo lo contrario a su experiencia. Los temas raciales, sexuales o sociales no son nunca el punto de interés de la película.
-Entonces, ¿cuál es el punto principal de la película?
-Diría que es mostrar cómo alguien, para el que el lujo de soñar debería haber sido un imposible, cumple sus sueños. Cómo para él, que el hecho de ser libre debería haber sido imposible, fue libre toda su vida. Cómo para él, que de niño fue vendido como un animal, reinventó y eligió una familia. En la vida real tenía siete niños acogidos. El tema central de la película es cómo una persona como esta actuó mas allá de sus deseos y creó un ejemplo de libertad mas allá de su propia vida. (...) El tema central de la película también es retratar a un personaje que vivió y entendió su propia época de una manera fantástica. Estos son los aspectos importantes de la película, mas que etiquetar al personaje por un motivo u otro. 
-Un personaje como Madame Sata podría verse fácilmente desde una perspectiva folclórica o estereotipada ¿qué precauciones tomarías para prevenir este riesgo?
-Un rasgo del personaje que siempre me ha gustado es que creó pequeños circuitos en las definiciones; cuando le decían negro, se mostraba gay, cuando le llamaban gay, se mostraba pobre, siempre era algo mas. Era reinventándose a sí mismo como podía transgredir y resistir. No es mi intención hurgar en la sociología, pero diré que optimiza Brasil en la manera en que encuentra el placer en la vida cotidiana, a pesar de la gente y las cosas. Hay un aspecto fascinante a la vez que cruel para los brasileños ya que su constante búsqueda de placer puede implicar sumisión a las reglas establecidas, una actitud de "nada funciona" (incluso faltándose el respeto a sí mismo) por tan solo cinco minutos de placer. En este sentido, él no es el típico porque siempre pide respeto. Además de ejercer su libertad encontrando el placer y cumpliendo sus sueños y a pesar de todos los obstáculos siempre se consideró un ser humano. Es un testimonio de resistencia. Para él, luchar por su afirmación personal nunca fue en silencio. Nunca aceptó ser degradado por el hecho de ser esto o aquello.
-Incluso evitando las definiciones, hoy en día sería visto como un paria por un gran número de razones. ¿Crees que el escenario social que hizo de Joao Francisco un paria todavía existe hoy?
-Sin lugar a dudas. Desgraciadamente muchos de los problemas de los años 30 todavía existen y una manera de hablar del presente es mirando en la historia pasada. Durante mi búsqueda, encontré un cuadro de 1928 en el que había una mujer negra con sus hijos sentada en un bordillo de la calle. Esa foto se podía haber hecho fácilmente hoy en día. Mucho ha cambiado de aquella época a ahora, pero mucho no ha cambiado y la exclusión social como una barrera para la exclusión del individuo como parte de una comunidad o como parte de una sociedad es una de ellas. La sociedad brasileña carece de permeabilidad e incluso aunque allí parece haber integración entre los diferentes sectores, el abismo social parece seguir creciendo. No soy pesimista, sino todo lo contrario. Creo que es una película optimista y redentora. Después de todo, Joao Francisco nunca se consideró a sí mismo una víctima.
-¿Cómo preparaste la película?
-Escribí el primer borrador del guión sin haber estado en Lapa. Cuando llegué a Río sentí que era la persona mas apropiada a la vez que la menos para hacer la película. Dibujé un mapa de donde vivió, busqué las casas y algunas estaban todavía allí. Me llevó de seis meses a un año encontrar a los actores y preparar la película fueron seis meses de intensos ensayos. Pero no hubo ensayos de texto, no quise imponer un método sino comunicar la intimidad de Joao Francisco, Laurita y Tabu en la pantalla. Les sugerí que fueran a la playa, salieran, hablaran, se conocieran, porque esa intimidad se impregna en la pantalla. Como esta era mi primera película, pensé que tendría control sobre todas las cosas. Apunté todo al detalle para tener control sobre el rodaje pero ocurrió algo gracioso el primer día. No pude encontrar lo que había anotado así que rodamos de cualquier manera. El segundo día seguí mis apuntes y esas tomas no se utilizaron en la película. A partir del tercer día no utilicé ningún tipo de anotación. Disfruté no teniéndolo todo bajo control todo el tiempo.
-Un aspecto importante de la película es el cuerpo de Joao Francisco.
-Su cuerpo es su fuerza; objetivamente es lo único que posee. Es por eso que todo lo que crea lo hace a través de su cuerpo, de su voz, la manera en que se viste, como se mueve - parte del cuerpo para exhibirse y para esconderse. Después de todo ¿qué fue lo que quedó de la cultura negra después de la diáspora? El cuerpo, utilizado en la música, el baile, la ropa, el placer sexual. Durante mucho tiempo, debido a la exclusión social, las manifestaciones culturales de la gente negra solo podían ser a través del cuerpo o eventualmente a través de la cocina. Esta es la razón por la que la forma de resistencia mas objetiva es a través de su cuerpo. Para mí el paisaje de esta película es su cuerpo, y esto es por lo que Walter Carvalho y yo decidimos trabajar en el negativo de tal manera que la textura de la piel y la presencia de su cuerpo pudieran definir constantemente al personaje.
 (Entrevista reproducida en Babadu.com, España, 2003)

Karim Ainouz obtuvo la licenciatura de arquitectura en la Universidad de Brasilia, y la de teoría cinematográfica en la Universidad de Nueva York. Se especializó en la crítica cinematográfica, estudiando en el Whitney Museum Independent Study Programme. Sus documentales innovadores y sus cortos, O Preso (1991), Seams (1993), Paixao Nacional (1994) y Hic Habitat Felicitas (1996), han sido proyectados en aproximadamente cincuenta festivales internacionales.
Ha recibido, entre otros, el Premio al Mejor Cortometraje en Atlanta (1994) y el Premio al Mejor Corto en el Ann Arbour Festival de Michigan (1997), al igual que menciones en otras muestras. Ha trabajado como ayudante de dirección y como montador en numerosos filmes como Poison (Todd Haynes,1991) y Swoon (Tom Kalin,1992).
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Usted puede confirmar la película de la próxima exhibición llamando al 48254102.
Todas las películas que se exhiben deben considerarse Prohibidas para menores de 18 años.
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