Fundación Sin Fines de Lucro
Declarada de interés especial por la Legislatura del Gobierno de la Ciudad

	Exhibición n° 6431       			                      Lunes 18 de octubre de 2004
Temporada n° 51                                                                                   Cine COSMOS

ONIBABA – EL MITO DEL SEXO (Onibaba, Japón-1965) dirección: KANETO SHINDO. Libreto: Kaneto Shindo. Fotografía: Kiyomi Kuroda. Música: Hikaru Hayashi. Montaje: Kazuo Enomoto. Sonido: Tetsuya Ohashi. Elenco: Nobuko Otowa (la suegra), Jitsuko Yoshimura (la nuera), Kei Sato (Hachi), Jukichi Uno (samurai), Taiji Tonoyama (Ushi), Somesho Matsumoto, Kentaro Kaji, Hosui Araya, Fudeko Tanaka. Productores: Hisao Itoya, Tamotsu Minato, Setsuo Noto. Delegado de producción: Kazuo Kuwahara. Productoras: Kindai Eiga Kyokai – Tokio Eiga Company. duración original: 105’.

El film
Akira Kurosawa revolucionó el cine japonés en los ’50 a partir de Rashomon (1950) y luego con clásicos como Los siete samuráis (1954) y Yojimbo (1961). El hiperrealismo agudo y a la vez lírico de Kurosawa logró en el cine japonés el mismo tipo de redefinición artística que el neorrealismo en Italia unos años antes. Onibaba traslada ese estilo de realismo al terreno de la tradicional kaidan (historia de fantasmas) japonesa. La línea de su trama es conocida en occidente a través de las compilaciones de historias fantásticas al estilo de la serie Dimensión desconocida (1959-63). De hecho, Onibaba es un relato de ese mismo tipo, ya que depende de un final moralista en el que lo sobrenatural interviene para castigar a un individuo por su codicia. 
El director Kaneto Shindo utiliza la crudeza de la imagen en blanco y negro con efectos sorprendentes. El énfasis está puesto en la pobreza con que viven los personajes. Todo el film transcurre en mínimas locaciones, trasladándose sólo entre la choza de las dos mujeres, la de Hachi y el río, con ocasionales escenas en la casa de Ushi, el mercader de armas. Hay un permanente mar de cañas que en el film funciona como un personaje más: su aspecto visual parece actuar como un gigantesco ciclorama que amplifica las emociones torturadas que tienen lugar ante él. Shindo realiza un trabajo igualmente bueno con el guión. Hay muy buenos diálogos que sobreviven incluso a la traducción subtitulada, en particular durante la escena en que la suegra confronta a Hachi y hasta se le ofrece para evitar que la nuera la abandone porque, como pronto comprendemos, ella no podría sobrevivir sola. Hay momentos maravillosamente sutiles en los que la suegra juega con la nuera indagando lo que en realidad ya sabe. Mientras tanto, Hachi aúlla llamando a la muchacha y ambas fingen que se trata de un perro. “Está buscando una compañera”, murmura la mujer mayor. 
Las escenas en las que aparece el demonio, sutilmente iluminado y flotando en el aire, son genuinamente aterradoras. (...) Debe decirse también que e film contiene un nivel de topless sorprendentemente elevado por parte de las dos protagonistas, mucho antes de que tal cosa fuera aceptable en Occidente.
(Richard Scheib , The SF, Horror and Fantasy Film Review, 1999. Trad.: FMP)  

En un contexto de guerra y de caos se desarrolla la rivalidad entre dos mujeres, una joven viuda y su suegra. Celosa al ver que otro guerrero ha seducido a su nuera, la anciana pone en marcha una diabólica estratagema en la que intervendrán apariciones demoníacas durante alocadas correrías nocturnas. 
El Japón feudal inspiró a más de un cineasta. Las costumbres de esta época, cinematográficamente espectacular, permitieron que Mizoguchi, por ejemplo, nos ofreciera algunas obras esenciales, al mismo tiempo que unos espléndidos retratos de mujeres. 
Es a su antiguo ayudante y colaborador, Kaneto Shindo, a quien debemos Onibaba, película sorprendente que “traumatizó” a más de un occidental cuando se estrenó a mediados de los años 60. Presentada entonces como un película erótica de terror, Onibaba puede ser hoy considerada como la antítesis complementaria de la mayor parte de esos kakusha-mono, films de época en los que la heroína está fatalmente condenada a la abnegación. No hay aquí esposa o hija sometida a las duras leyes domésticas, sino dos arpías frenéticas en busca de asesinatos y pillajes.
Ocurre que la guerra de los sexos y la liberación de la mujer (conmociones sociales importadas de Occidente) se hallan en ebullición e intrigan a los cineastas japoneses de los años 60. Kaneto Shindo ya ha explorado la “política sexual” de sus iguales en obras anteriores; asimismo, con Onibaba continuará desarrollando su tema predilecto, otorgándole un aspecto histérico de lo más divertido. 
En primer lugar, son los decorados los que hacen de Onibaba un drama sorprendente. Los inmensos pantanos cubiertos de cañaverales sirven de trampa acuática a las dos mujeres, que en ellos capturan a desgraciados soldados extraviados. Kaneto Shindo, que se había anteriormente deleitado realizando huis-clos agobiantes, utiliza aquí un Cinemascope puesto al servicio de una naturaleza “como tela de araña”, en la que la anciana y su nuera imponen salvajemente su ley. 
Pero es sobre todo el coraje ardiente de las dos heroínas lo que sorprenderá al espectador. Lejos de cualquier sumisión medieval, las dos asesinas privan a los samuráis de sus atributos guerreros, vendiendo las armaduras de sus víctimas para subsistir. Así queda hecha la justicia. 
Unidas en principio en su bárbara caza furtiva, las dos mujeres terminarán, sin embargo, por enfrentarse violentamente. La película adquiere aquí una dimensión onírica, con impresionantes carreras nocturnas encabezadas por la diabólica Nobuko Otowa, estrella de Japón en la época. La anciana que ella encarna pone en escena una estratagema teatral con el fin de evitar que su nuera vaya a reunirse con el granjero de quien está enamorada. Las apariciones demoníacas se multiplican, como última maniobra para hacer que la joven desista de introducir un hombre ilegítimo en el territorio donde reina la vieja bruja. 
Las mujeres de Onibaba, cada una a su modo, dan prueba de un brío sorprendente, que ningún yugo masculino sabría domeñar. Esta rivalidad brilla en una película cuyo discurso contestatario aparece hoy claramente.
Más que un ingenioso film fantástico, Onibaba es una agresiva tragedia feminista. Sus dos bravías mujeres son las primeras de una futura casta de demonios que vendrán a poblar el cine japonés, reemplazando brutalmente a las sumisas geishas y otras esposas desgraciadas de la generación precedente. 
(Pascal Vincent en Nosferatu, Barcelona, enero de 1993) 

Aparentemente el título Onibaba se traduce literalmente como “el agujero”, y un impresionante espécimen de esa característica topográfica aparece en el film de Kaneto Shindo, con una gravedad determinada y simbólica. Esto no implica que este agujero revele con facilidad sus significados. (...) Hubo un tiempo en que las historias japonesas de fantasmas eran relatos delicadamente evocativos y, al informar poco, sus símbolos cuidadosamente no resueltos ofrecían más. 
La premisa de Onibaba tiene su base en una fábula zen. En el Japón feudal, dos mujeres –una madre y su nuera- sobreviven matando a samuráis errantes y vendiendo sus pertenencias. Los cuerpos son arrojados al vacío del título, un abismo notablemente profundo y, quizás, sin fondo. Dos eventos perturban sus vidas: un vecino regresa de la batalla y comienza una relación con la más joven de las mujeres; la otra mujer obtiene de un samurai una máscara peculiar (el segundo símbolo del film), elemento que pronto se convierte en un personaje aparte. 
Los hechos son sugestivos, pero ¿qué significan? Como en Ugetsu (Kenji Mizoguchi, 1953), relato sobrenatural que fue una influencia cierta sobre este film, Onibaba muestra menos interés en volver explícitos sus significados que en ofrecer la oportunidad al espectador de meditar sobre la vida y la existencia. Los intereses de Shindo no son todos, sin embargo, del otro mundo y es de notar que la manera en que el film describe la vida carnal de sus protagonistas fue, en su momento, objeto de polémica. 
Ha paso el tiempo suficiente como para calificar a este film único como un clásico. La fotografía en blanco y negro de Kiyomi Kuroda es tan sugestiva como la acción, en particular durante los inquietantes pasajes nocturnos. Y la música de Hikaru Jayashi posee una fiebre similar a la de las más extrañas imágenes que la pantalla muestra. (...)
(Jane Euker en Filmcritic, marzo de 2004. Trad.: FMP) 

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Cine retrospectivo

	Siempre en el Cine Cosmos, a las 19hs. La próxima semana proyectaremos:

Día 25:	El soldado (Le petit soldat, Francia-1963) de Jean-Luc Godard, c/Michel Subor, Anna Karina, Henri-Jacques Huet. 88’.
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